JaZzArt en València

Francisco is a blogger, poet, artist, composer, videographer, and businessman. He has also been introducing us to women artists and creators in a …

Interview with Francisco Bravo Cabrera

Cheers…

Algo nuevo en Omnia Caelum Studios València…

Something new at Omnia Caelum Studios València…

OMNIA CAELUM STUDIOS PRODUCTIONS

Gracias…

Cheers…

Que bueno sería

si todos los días

aquí encontrarías

fiesta y alegría…

Que todas las noches alumbren el barrio

con muchos colores,

que toquen guitarras,

cajón, panderetas,

y bailen y gocen

nocturnas mascletás.

Y que fluyan los vinos,

blancos, tintos, rubios,

Ginebras y güisquis,

cervezas y vodkas,

y las olivitas,

pida usted, escoja.

Que broten gladiolos a la medianoche

y las calles, cerradas a coches,

reflejen el lujo de vivir las fiestas,

pero ahora a dormir

que si no,

no despiertas.

Y que bueno sería si todos los días

despertemos en ferias,

fiestas y alegría

2029, Francisco Bravo Cabrera, 10/03/2023, València, España

Este cuadro, que ya está en la pared de un gran coleccionista, lo hice utilizando algunos de los símbolos icónicos de nuestra ciudad. Además los aspectos más reconocidos de nuestra senyera valenciana.

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This painting, that is already hanging on the wall of a great art collector, I made utilising some of the most iconic symbols of our city. Additionally it contains the most recognisable aspects of the flag of our country, Valencia.

Gracias…

Cheers…

Wassily Kandinsky (1866-1944), el gran pintor ruso, considerado el padre de la abstracción e identificado íntimamente con la invención de la misma, no lo fue. Ya sabemos que la inventó, curiosamente una mujer, la artista sueca Hilma af Klint (1862-1944). Pero Kandinsky sí nos alertó a que existía la espiritualidad en el arte, queriendo decir que los cuadros hechos en su época cargan una espiritualidad que los hace eternos, poderosos, emotivos e importantes. Un cuadro hecho al «estilo» del renacimiento, a estas alturas de la historia y de la historia del arte, no tiene alma, y Kandinsky dijo que era como un niño que muere antes de nacer, o sea, un aborto.

Un pintor del S. XXI no puede, por mucho que sepa imitar, pintar como lo hacían los pintores renacentistas, o barrocos o medievales, o como ningún otro que no sea de su misma época en la historia. La imitación no tiene el mismo poder de evocar emociones que lo original. Y no quiero decir original dirigiéndome a algo inédito, jamás visto, sino a algo que pertenece al mundo y a la historia del pintor, digamos, lo contemporáneo. Todos los cuadros fueron contemporáneos en un momento dado.

Kandinsky dijo que imitar era como lo que hace un mono. Los simios se parecen mucho a los humanos y nos saben imitar, ¿No has visto a un mono vestido, con gafas y «leyendo» un periódico? La imitación no es la realidad ni tampoco tiene la misma carga emotiva, espiritual que la realidad…

Ahora nos vamos a la abstracción. He puesto un cuadro, «Quatre» de ejemplo, pero no es una abstracción. Es un cuadro figurativo. ¿Por qué es figurativo y no abstracto? Simplemente porque contiene elementos identificables y de nuestro entorno material. El arte abstracto no puede tener ningún elemento que se parezca a uno real. Pero he puesto este ejemplo porque aunque es un cuadro figurativo tiene muchos elementos abstractos.

Por ejemplo, el fondo es abstracto completamente pues no se parece a nada en la vida, nada le es igual. La abstracción suele distanciar al observador porque no hace una conexión directa con su mente lógica, con su intelecto, aunque si debe hacerlo con su mente ilógica, abstracta, artística y emotiva. Pero lo más importante es que tiene que tener una referencia y esa referencia es interna en el autor de la obra y para el observador, según como absorba los colores y donde lo lleven.

Y sí, ya sabemos que Hilma af Klint pintó una serie de cuadros, considerados ahora abstractos, mucho antes de la primera acuarela abstracta de Kandinsky, «Sin titulo» de 1913, pero Kandinsky impulsó el género y lo defendió en su libro «De lo espiritual en el arte» (1912), aunque él no siempre fue pintor de abstracción, pues sus inicios en el arte lo llevaron a muchos estilos, todos figurativos. No fue hasta unirse a la teosofía…junto con Piet Mondrian, su contemporáneo y también pintor abstracto…que comenzó a teorizar acerca del color, del poder del color y de los sonidos de los colores.

Kandinsky decía que escuchaba tonos y acordes al pintar, que el amarillo es el sonido de una trompeta, el negro, el color del cierre, digamos el fin de las cosas. Pensaba…y yo muy de acuerdo…que al combinar colores el artista creaba frecuencias vibratorias, como los acordes que se pueden tocar en un piano. Explicó esto y otras cosas relacionadas a las figura geométricas en su otro libro «Punto y línea sobre el plano.» (1926).

OMNIA CAELUM STUDIOS PRODUCTIONS PRESENTA:

Gracias…

Kandinsky, in his book «Concerning the Spiritual in Art» poses the idea that art must reflect its own time. To make art that seeks to emulate or copy, say the art of the ancient Egyptians is to make art, like he said, that is a baby dead before birth. Or to paint like a monkey. Ridiculing those who simply copy, as would a monkey, the gestures of a human, but without any real thought or intention behind the gestures. For art to have spirit, for a painting to become «immortal», it has to have spirit and intention, and not simply technical perfection. Technical perfection will create a painting that says nothing, that does not elicit a visceral and intellectual reaction in the viewer.

Art is complex. Art is philosophy in colour, movement and style. A painting is not art everlasting if it does not carry with it the spirit of the time in which it was painted and the culture which it represents…

In the painting «Within the Light» (see above), an abstract painted with acrylics on canvas, I have chosen to represent the «idea» of «light» by creating light with an optical illusion created by colour. Colour is energy. Colour is light refracted in such a way as to make the human eye see different shades and tones, even though, technically (meaning physiologically) there are only three. The rest of the colours are brought to our senses with the help of light.

Colour is also sound. Kandinsky (again) referred to the sounds of colours to create his symphonies on canvas or paper. There are people with a specific disorder that makes them hear colour, so perhaps Kandinsky was not so far off the mark with that idea. In any event colour is a source of power as colours are linked to emotions, feelings, and ideas.

When an artist paints an abstract piece the reference may be completely lost to the viewer. There is not a direct relationship between the painting and the observer and the observer may simply stand in front of the painting and wonder what it is, or ask the artist or curator. But the artist must have a definite and precise reference for his work, be it abstract or figurative (the only two types of art there is). This identification with the reference and representing it in an abstract work unites the artist with the piece and gives it spirit. The spirit of the times when it was painted which in turns makes the painting eternal, powerful, meaningful and capable of eliciting emotions from the observer.

This, to me, is the spirituality of and in art…

OMNIA CAELUM STUDIOS PRODUCTIONS PRESENTS:

Cheers…

Me han estremecido un montón de mujeres, mujeres de fuego, mujeres de nieve…

Gracias…

GOOD TO SEE MORE WOMEN ARTISTS AT THE TATE BRITAIN

According to the Tate’s director, Alex Farquharson, this spring (2023) the museum’s permanent collections will contain more paintings by women artists. This is the result of a complete rehanging. Female artists from the 17th through the 19th Centuries will be included in the collections, some of them have never been exhibited at the Tate before.

Mr. Farquarson told The Guardian newspaper that, “Half the contemporary artists on display will be women, from Bridget Riley and Tracey Emin to Kudzanai-Violet Hwami and Lydia Ourahmane…”

Important within the structure of the new re-hanging of the collections will be works by Rachel Jones, like “Lick your Teeth” from 2021 and as well by the 19th Century Austrian painter Marianne Stokes (1899-1927) represented by her painting “A Fisher Girl’s Light, A Pilgrim of Volendam returning from Kevelaer”, painted in 1899.

There are also new commissioned works to include two climbable sculptures by Sarah Lucas, to be placed on the front lawn and a ceiling painting by France-Lise McGurn which will be in the Djanogly Cafe.

I think this is an important step taken by this very well known and respected institute of Art and an example for other museums to follow because parity is needed and needed badly. The reason, according to the New York Times, is that over the past decade, just 29,247 works by female artists were acquired by 26 top museums in the United States, out of 260,470 total works.

If we look at how many women artists are exhibited at Le Louvre (Paris), we find that there are only 21, to include: Marie-Guillemine Benoist, Élise Bruyère, Élisabeth Sophie Chéron, Eugénie Dalton, Madeleine Goblot, Hortense Haudebourt-Lescot, Joséphine Houssaye, Angelica Kauffmann, Adèle de Kercado, Adélaïde Labille-Guiard, Judith Leyster, Catherine Lusurier.

At Museo del Prado (Madrid) there are only five women artists represented: Sofonisba Anguissola, Clara Peeters, Angelica Kauffmann, Artemisia Gentileschi y Rosa Bonheur. From these five, only eleven paintings in an exhibition of more than 1,150.

At the Metropolitan Museum of Art in Manhattan, only 7,3% of the artists represented are women. At the MoMA (Museum of Modern Art, New York), it is 11%; the MOCA (Los Angeles) it goes up to 25% and the Whitney Museum of American Art has 22%. All in all, in the United States 87% of the artists exhibited are men and 85% of them are white men, leaving space for only 13% of women.

Although I would love to see this situation resolved and an option for parity taken by all museums, I do not support a government mandated law for parity in the public sphere and much less in private industry. Parity should be reached through education and through the participation of artists, writers, museum directors and gallery owners/curators from all over the world. And perhaps bloggers, YouTubers an Instagramers too. I strongly disagree with the president of the government of Spain (the Socialist Pedro Sanchez) who seeks to pass a parity law in the country. I do not like government interference in the free exercise of commerce or politicians sticking their nose and meddling into the people’s rights.