(Proto JazzArt by Francisco Bravo Cabrera/All Rights Reserved)
JazzArt is more than a style it is a philosophy and for me a perfect way of integrating the plasticity of art and the improvisational magic of jazz music.
For me jazz is not just be-bop, swing or smooth jazz. Jazz is the spirit that guides the musician to improvise, create as he plays and to be rhythmic. I hear jazz in many of the 60’s and 70’s rock music by such as Led Zeppelin, Pink Floyd, Clapton and Jimi Hendrix, among many others.
Here is a good example of JazzArt and jazz which sounds a bit different than expected.
Nació en El Chaltén. Tierra de Fuego, La Patagonia con pies helados. Fue dejando huellas en los Andes del Perú, refrescándose en el Lago Titicaca. Poncho rojo, lana blanca, oro, incienso, y las leyendas de dioses con pupilas de jade en los cuencos de la cara.
Serpiente voladora de árbol en árbol al desierto digiriendo polvo y alacranes. Jungla y montañas. México se asoma entre las musas plataneras con sonrisas.
Caribe: piratas asesinos, ron, sol y huracanes. Isleños sembrando caña cubana. Pueblos rebeldes. Nave y viento a la Florida. Trillos por el monte y al oeste las rocosas. Más al norte pie y apoyo. Osos blancos zambulléndose en los lagos incontables: Canadá. América. Desde la Patagonia hasta el Yukón.
(Valencia, 13 de junio de 2026, Francisco Bravo Cabrera)
NOTA BENE
Un saludo y un respeto a todos los que han poblado, cultivado y amado ese gran continente americano que se extiende desde La Patagonia hasta lo mas norte de Canadá. Todos americanos y todos orgullosos.
(«Jazz Band One Circle»/Francisco Bravo Cabrera/All Rights Reserved)
“Jazz Band One Circle”
This archival print of the original graphite on paper drawing by Francisco Bravo Cabrera (FBC) measures 30 x 42 cm. The composition features imaginary jazz musicians of an imaginary jazz ensemble that perhaps has been contracted to play at the New Orleans Jazz & Heritage Festival. The main elements are the faces, bodies and points of view of the figures as well as the instruments. Mostly done in grey, black and the empty spaces in white, it exudes a feeling of precise timing and rhythm, with mathematical precision, as jazz should be.
FBC has exhibited since 2003 in various countries, and in three of the five existing continents, being: America, Europe and Asia. In America to include the United States; in Europe: Spain, Ireland and in Asia: Turkey. His works, both black and white drawings and acrylic on canvas paintings, are in private collections all across Europe, America and Asia. His work and progress can be followed via his blog “VALENCIARTIST» (https://www.paintinginvalencia.com) as well as through his Instagram, @Francisco_Bravo_Cabrera
Nació en El Chaltén. Tierra de Fuego, La Patagonia con pies helados. Fue dejando huellas en los Andes del Perú, refrescándose en el Lago Titicaca. Poncho rojo, lana blanca, oro, incienso, y las leyendas de dioses con pupilas de jade en los cuencos de la cara.
Serpiente voladora de árbol en árbol al desierto digiriendo polvo y alacranes. Jungla y montañas. México se asoma entre las musas plataneras con sonrisas.
Caribe: piratas asesinos, ron, sol y huracanes. Isleños sembrando caña cubana. Pueblos rebeldes. Nave y viento a la Florida. Trillos por el monte y al oeste las rocosas. Más al norte pie y apoyo. Osos blancos zambulléndose en los lagos incontables: Canadá. América. Desde la Patagonia hasta el Yukón.
(Valencia, 13 de junio de 2026, Francisco Bravo Cabrera)
NOTA BENE
Un saludo y un respeto a todos los que han poblado, cultivado y amado ese gran continente americano que se extiende desde La Patagonia hasta lo mas norte de Canadá. Todos americanos y todos orgullosos.
(Jazz-Art de/by Francisco Bravo Cabrera//Derechos Reservados)
Siempre algo nuevo en los estudios de Omnia Caelum de Valencia. En este caso me remonto a los orígenes de mi Jazz-Art pero en un formato grande y en acrílico sobre tela. Este cuadro (que aún no he titulado) mide 70 x 140 cm.
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There is always something new at Omnia Caelum Studios Valencia. In this case I have returned to my «roots» and to the original Jazz-Art. However, now I have done it in acrylics on canvas and on a larger scale. This painting (untitled yet) measures 70 x 140 cm (28′ x 55′).
Bajo la superficie bailable de Juan Luis Guerra se esconde una de las operaciones más sofisticadas de la canción latinoamericana: la sátira política disfrazada de fiesta. «La Guagua» convierte el autobús averiado en metáfora del Estado poscolonial —el chofer como élite política, los fallos mecánicos como corrupción institucional—, mientras la promesa de un «timón hidráulico» se desmorona en la confesión de que «la guagua va en reversa». La economía de la miseria queda condensada en una sola imagen doméstica: el ordeño de la vaca, es decir, el trabajo y los recursos del pueblo, va directo «al bidón de las promesas», un depósito sin fondo de compromisos incumplidos.
Si «La Guagua» es la crítica macro de la nación, «El Niágara en bicicleta» es su autopsia micro: el hospital público como teatro del absurdo institucional. El título mismo —cruzar las cataratas del Niagara en bicicleta— es la expresión idiomática caribeña para lo imposible vuelto rutina de supervivencia. Allí no hay anestesia, no hay suero, los rayos X están fundidos, y el médico recomienda brandy o rezarle a San Andrés. Es la imagen exacta del colapso del Estado moderno, que obliga al ciudadano a regresar a la mística primitiva cuando la infraestructura desaparece por completo.
Lo que une ambas piezas…y de hecho toda la obra de Guerra…es una disonancia cognitiva deliberada: el ritmo merenguero, eufórico y veloz, narra catástrofes existenciales. El cuerpo baila mientras el país retrocede; el oyente celebra mientras un hombre agoniza en una camilla sin recursos. Esto no es ingenuidad ni casualidad estética: es una observación antropológica profunda sobre la resiliencia caribeña, donde el humor y la danza funcionan como escudo psicológico frente al fracaso sistémico. Reírse del propio abismo le quita al sistema su poder de aplastar el espíritu.
«Ojalá que llueva café» rompe con esta tradición de realismo sociológico para internarse en el realismo mágico, en la estirpe de García Márquez. La palabra «ojalá» —herencia del árabe «law šá lláh», si Dios quiere— transforma la canción en plegaria secular: Guerra ya no le pide nada al Estado corrupto, sino que apela directamente al cosmos para que llueva café, yuca, queso y leche sobre el campo abandonado. La línea más punzante del tema, sobre los muchachos que no tendrán que fumarse «los grandes tabacos de la miseria» en Nueva York, conecta esta utopía agraria con el drama migratorio de «Visa para un sueño«: se reza por la abundancia en casa precisamente para que nadie tenga que partir.
El genio de Guerra, en última instancia, es una forma de engaño estratégico al servicio de la verdad: envolver el mensaje más pesado…la corrupción, el colapso sanitario, la miseria rural…en una melodía tan perfecta que el cuerpo la acepta antes de que la mente pueda resistirse. Hace bailar al mundo al ritmo de sus propias heridas, y en ese gesto convierte la fiesta en el último refugio de la dignidad.
NOTA BENE
Solo puedo añadir que ya vemos como aquí, en un país europeo y que ya habia superado los estragos del subdesarrollo, también la «guagua» puede ir en reversa. La mentira institucionalizada como política, el eslogan, la corrupción y la falta de consideración a las demandas del pueblo hacen que el progreso vaya en reverso, sin dudas.
Popular history, as well as many fans, has always thought of John Lennon as The Beatles’ fearless experimentalist and Paul McCartney as the consummate traditionalist, a gifted melodist with impeccable commercial instincts. Truth and inquiry suggests something more interesting: McCartney was arguably the band’s true futurist, combining an instinct for timeless melody with an insatiable appetite for technological and artistic innovation.
His admiration for seemingly disparate works such as God Only Knows and Don’t You Want Me reveals a remarkably consistent philosophy. Brian Wilson demonstrated that sophisticated harmonic architecture could remain emotionally immediate, while The Human League proved that synthesizers and machine precision could still carry deeply human narratives. McCartney’s genius lay in recognising that emotional truth mattered more than instrumentation, whether expressed through French horns, tape loops, bass counterpoint or drum machines.
That same instinct guided The Beatles’ through most of their revolutionary years. From his immersion in London’s avant-garde scene and enthusiasm for tape experimentation to his conceptual drive behind Sgt. Pepper and his willingness to embrace electronic music long before it became fashionable, McCartney repeatedly acted as both innovator and translator. He took radical ideas and rendering them universally intelligible.
The mythology of solitary genius also obscures the deeper reality of The Beatles’ success. Their greatest achievements emerged from a uniquely self-correcting creative ecosystem: Lennon’s emotional directness, McCartney’s structural and melodic architecture, George Harrison’s disciplined musicality, and George Martin’s classical sensibility combined to produce results none could consistently replicate alone. The enduring brilliance of songs like In My Life illustrates collaboration at its highest level rather than individual authorship.
Perhaps that is McCartney’s greatest legacy. More than a songwriter, he functioned as a creative sponge, absorbing influences across genres, technologies and generations without ideological prejudice. His criterion was never whether an idea was traditional or modern, acoustic or electronic, fashionable or obscure. It was simply whether it advanced the expressive possibilities of popular music.
JaZzArt en València 