JaZzArt en València

A los artistas les gusta mucho hablar del arte y usualmente lo hacen de forma muy abstracta, muy esoterica o hasta onírica pero la realidad es que el arte es faena, no es una cosa subjetiva, es totalmente objetivo, tiene parámetros, medidas, normas y maneras de juzgar si una obra de arte es una genialidad o una porquería. El trabajo del artista es eso mismo «trabajo» porque si el artista no trabaja no desarrolla talento y eso es lo más importante porque a través de su talento es como el artista puede comunicarle al resto su mensaje, o sea, lo que quiere transmitir con esa obra. Y el talento no es un rasgo genético es algo que se aprende y se desarrolla, como los músculos. Cuando el artista deja de currarse las obras, el talento empieza a desvanecerse. Asi que hay que trabajar. Acordaos, la originalidad no importa, el trabajo si, y el buen gusto, no vayamos a crear obras horteras.

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Artists really enjoy talking about art and usually do so in a very abstract, esoteric, or even dreamlike way, but the reality is that art is labour; it is not a subjective thing, it is totally objective, it has parameters, measurements, rules, and there are tried and true ways to judge whether a work of art is a genius creation or rubbish. And let us keep in mind that the artist’s job is just that: «work» because if the artist does not work, he doesn’t develop talent, and that is the most important thing, as it is through his talent that the artist can communicate his message to others, meaning what he wants to convey with that piece. And talent is not a genetic trait; it is something that is learned and developed, like muscles. When the artist stops putting in the effort into his works, talent begins to fade away. So work! Remember, originality doesn’t matter; work does, and good taste; we shouldn’t create works that reflect bad taste. And taste is also objective and measurable.

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INSTAGRGAM: @Francisco_Bravo_Cabrera

CHEERS – GRACIAS

On part one I touched only upon the fact that art must be contemporary for it to have spirit. Of course many of you (art historians) will know that the theory comes from Kandinsky. But I subscribe totally to it. And I also mentioned the colour wheel, and the importance of knowing what colours create the appropriate atmosphere/message for your work. Lastly I told you that originality is not important. And it is not. It is how you interpret, or re-interpret older ideas or older works of art. This is the essence of this second part. Picasso said that good artists borrow, but that great artists steal. And I am fully in agreement, but, like him, I believe that you must make something better than that which you borrowed or stole. That is why there is nothing really original. But what you can make of the «stolen/borrowed» work, that becomes the you in the moment, and the work with the new spirit reflecting the times. Another thing that is very important is that you study, thoroughly, Art History. That is how you know what has been done, why, what results it had and how it fit into the developing art world. Art does not evolve, but artists do. In order to evolve as an artist, you must know what others have done and why, and how that has affected the way art reflects upon society today.

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En la primera parte toqué únicamente el hecho de que el arte debe ser contemporáneo para tener espíritu. Por supuesto, muchos de ustedes (historiadores del arte) sabrán que la teoría proviene de Kandinsky. Pero estoy totalmente de acuerdo con ello. También mencioné la rueda de colores y la importancia de saber qué colores crean la atmósfera/mensaje adecuado para su obra. Por último, les dije que la originalidad no es importante. Y no lo es. Se trata de cómo interpretas o reinterpretas ideas antiguas o obras de arte anteriores. Esta es la esencia de esta segunda parte. Picasso dijo que los buenos artistas toman prestado, pero los grandes artistas roban. Y estoy totalmente de acuerdo, pero, como él, creo que debes hacer algo mejor que aquello que tomaste prestado o robaste. Por eso no hay nada realmente original. Pero lo que puedes hacer con la obra «robada/prestada», eso se convierte en el tú en el momento, y el trabajo con el nuevo espíritu refleja los tiempos. Otra cosa que es muy importante es que estudies a fondo la Historia del Arte. Así es como sabes lo que se ha hecho, por qué, qué resultados tuvo y cómo encajó en el mundo del arte en desarrollo. El arte no evoluciona, pero los artistas sí. Para evolucionar como artista, debes saber lo que otros han hecho y por qué, y cómo eso ha afectado la forma en que el arte refleja la sociedad de hoy.

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A los artistas les gusta mucho hablar del arte y usualmente lo hacen de forma muy abstracta, muy esoterica o hasta onírica pero la realidad es que el arte es faena, no es una cosa subjetiva, es totalmente objetivo, tiene parámetros, medidas, normas y maneras de juzgar si una obra de arte es una genialidad o una porquería. El trabajo del artista es eso mismo «trabajo» porque si el artista no trabaja no desarrolla talento y eso es lo más importante porque a través de su talento es como el artista puede comunicarle al resto su mensaje, o sea, lo que quiere transmitir con esa obra. Y el talento no es un rasgo genético es algo que se aprende y se desarrolla, como los músculos. Cuando el artista deja de currarse las obras, el talento empieza a desvanecerse. Asi que hay que trabajar. Acordaos, la originalidad no importa, el trabajo si, y el buen gusto, no vayamos a crear obras horteras.

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Artists really enjoy talking about art and usually do so in a very abstract, esoteric, or even dreamlike way, but the reality is that art is labour; it is not a subjective thing, it is totally objective, it has parameters, measurements, rules, and there are tried and true ways to judge whether a work of art is a genius creation or rubbish. And let us keep in mind that the artist’s job is just that: «work» because if the artist does not work, he doesn’t develop talent, and that is the most important thing, as it is through his talent that the artist can communicate his message to others, meaning what he wants to convey with that piece. And talent is not a genetic trait; it is something that is learned and developed, like muscles. When the artist stops putting in the effort into his works, talent begins to fade away. So work! Remember, originality doesn’t matter; work does, and good taste; we shouldn’t create works that reflect bad taste. And taste is also objective and measurable.

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Una manera humana de expresarse…hoy en dia también de forma artificial…con un idioma idóneo que llega, no solo al intelecto, sino a las emociones, al espíritu. Creo que lo más importante para un artista no es buscar la originalidad (no hay nada nuevo bajo el sol) sino buscar el espíritu del cuadro (o de la obra) y para ello hay que saber ser contemporáneo. ¿Qué es ser contemporáneo? Simplemente que trabajes con lo que te rodea, con el espíritu de tu época, con lo que se expresa y se hace en tu entorno y no trates de remontarte a otras épocas u otros siglos. Tus cuadros tienen que tener la manera de transmitir una idea. No importa la idea, pero tiene que estar presente como referente visto o interno. Los colores (o el blanco y negro) importan mucho también pues le añaden ese toque emocional que llega a los sentimientos del observador. Para eso tienes que conocer (al menos un poco) la teoría de los colores y saber cuando y como usar los colores complementarios o los colores similares o análogos, además de la temperatura del color. Esto sin perjudicar ni debilitar la fuerza de la composición.

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WHAT IS ART? It is a human way of expressing oneself… today also in an artificial way… with an ideal language that reaches not only the intellect but also emotions and spirit. I believe that the most important thing for an artist is not to seek originality (there is nothing new under the sun) but to seek the spirit of the painting (or the work), and for that, one must know how to be contemporary. What does it mean to be contemporary? Simply to work with what surrounds you, with the spirit of your time, with what is expressed and done in your environment, and not to try to look back to other eras or centuries. Your paintings must have the ability to convey an idea. The idea doesn’t matter, but it must be present as a seen or internal reference. Colors (or black and white) are also very important as they add that emotional touch that reaches the observer’s feelings. For that, you need to know (at least a little) about color theory and understand when and how to use complementary colors or similar or analogous colors, in addition to the temperature of the color. This should not harm or weaken the strength of the composition.

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Una manera humana de expresarse…hoy en dia también de forma artificial…con un idioma idóneo que llega, no solo al intelecto, sino a las emociones, al espíritu. Creo que lo más importante para un artista no es buscar la originalidad (no hay nada nuevo bajo el sol) sino buscar el espíritu del cuadro (o de la obra) y para ello hay que saber ser contemporáneo. ¿Qué es ser contemporáneo? Simplemente que trabajes con lo que te rodea, con el espíritu de tu época, con lo que se expresa y se hace en tu entorno y no trates de remontarte a otras épocas u otros siglos. Tus cuadros tienen que tener la manera de transmitir una idea. No importa la idea, pero tiene que estar presente como referente visto o interno. Los colores (o el blanco y negro) importan mucho también pues le añaden ese toque emocional que llega a los sentimientos del observador. Para eso tienes que conocer (al menos un poco) la teoría de los colores y saber cuando y como usar los colores complementarios o los colores similares o análogos, además de la temperatura del color. Esto sin perjudicar ni debilitar la fuerza de la composición.

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WHAT IS ART? It is a human way of expressing oneself… today also in an artificial way… with an ideal language that reaches not only the intellect but also emotions and spirit. I believe that the most important thing for an artist is not to seek originality (there is nothing new under the sun) but to seek the spirit of the painting (or the work), and for that, one must know how to be contemporary. What does it mean to be contemporary? Simply to work with what surrounds you, with the spirit of your time, with what is expressed and done in your environment, and not to try to look back to other eras or centuries. Your paintings must have the ability to convey an idea. The idea doesn’t matter, but it must be present as a seen or internal reference. Colors (or black and white) are also very important as they add that emotional touch that reaches the observer’s feelings. For that, you need to know (at least a little) about color theory and understand when and how to use complementary colors or similar or analogous colors, in addition to the temperature of the color. This should not harm or weaken the strength of the composition.

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Siqueiros fue pintor, escritor, diplomatico, activista y militar. Nacio en Chihuahua, Mexico (1896). Es, sin duda alguna uno de los grandes del muralismo, al igual que Diego Rivera y Clemente Orozco. Estudio en la escuela de Bellas Artes y luego en París estudio el cubismo y le pintura de Cezanne. Tambien en la capital francesa fue donde conoció a Diego Rivera. Viajo con Rivera por Italia estudiando de los grandes maestros del Renacimiento. Siqueiros buscaba el realismo, bien en su obra como en su escritura, que aclamara a los pueblos proletarios de México y el mundo. Evitando, claramente, los clichés del «primitivismo» y el «indianismo» que estaban muy a la moda. Murio en Cuernavaca el 6 de enero de 1974.

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Siqueiros was a painter, writer, diplomat, activist, and soldier. He was born in Chihuahua, Mexico (1896). He is undoubtedly one of the greats of muralism, alongside Diego Rivera and Clemente Orozco. He studied at the School of Fine Arts and later in Paris, he explored Cubism and the paintings of Cézanne. It was also in the French capital where he met Diego Rivera. He traveled with Rivera through Italy, studying the great masters of the Renaissance. Siqueiros sought realism, both in his work and in his writing, which praised the proletarian peoples of Mexico and the world. He clearly avoided the clichés of «primitivism» and «indigenism» that were very fashionable at the time. He died in Cuernavaca on January 6, 1974.

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Muchos llegaran a pensar que Winston Churchill, el gran guerrero anti-Nazi, se refugiaba en la pintura para apaciguar su tristeza, segun se lo hacen creer a uno en la serie de Netflix «The Crown». Pero el escritor y pintor británico, Paul Rafferty, dice que eso es mentira, que eso es solo para la tele, para hacer la cosa más dramática. Rafferty ha escrito un libro muy interesante acerca de esta faceta artística de Churchill: «Churchill pintando la Riviera Francesa». Para el Primer Ministro, la pintura era puro placer. Con su puro y con sus güisquis hacia vibrar sobre sus lienzos paisajes del sur de Francia, lugar que admiraba por su belleza y quería mucho. Winston Churchill nació en 1874 y murió en 1965 en Hyde Park, Londres.

Many will come to think that Winston Churchill, the great anti-Nazi warrior, sheltered himself in painting to soothe his sadness, as one is led to believe in the Netflix series «The Crown.» However, British writer and painter Paul Rafferty claims this is a lie, that it is only for television, to make things more dramatic. Rafferty has written a very interesting book about this artistic facet of Churchill: «Churchill Painting the French Riviera.» For the Prime Minister, painting was pure pleasure. With his cigar and his whiskies, he brought to life on his canvases the landscapes of southern France, a place he admired for its beauty and cherished deeply. Winston Churchill was born in 1874 and died in 1965 in Hyde Park, London.

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Después de retirarse de Hollywood, esta actriz norteamericana dedicó su vida a la pintura. Es artista figurativa interesada mayormente en el impresionismo. Pinta en óleo y en acuarela. Considera la pintura como «el amor de su vida» y una forma idónea de la expresión personal. Novak pinta muchos paisajes, al igual que retratos y también los elementos que le inspira la naturaleza que rodea su vida tranquila y bucólica en su rancho de Oregón. Kim Novak no es una improvisada ni «auto-didacta», estudio arte y recibió clases de reconocidos artistas como Harley Brown y Richard McKinley. Lamentablemente, un incendio en su casa (año 2000) destruyó la mayor parte de su obra. Pero volvió al caballete y comenzó de nuevo a pintar. Kim Novak nació en Chicago, Illinois, EEUU en 1933 y comenzó su carrera en el cine en 1954 con Columbia Pictures. Picnic fue su primera película (1955).

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After retiring from Hollywood, this North American actress dedicated her life to painting. She is a figurative artist primarily interested in Impressionism. She paints in oil and watercolour. She considers painting as «the love of her life» and a fitting form of personal expression. Novak paints many landscapes, as well as portraits and the elements that inspire her from the nature surrounding her tranquil and bucolic life on her ranch in Oregon. Kim Novak is neither an amateur nor «self-taught»; she studied art and took classes from renowned artists like Harley Brown and Richard McKinley. Unfortunately, a fire in her home (in 2000) destroyed most of her work. But she returned to the easel and began to paint again. Kim Novak was born in Chicago, Illinois, USA in 1933 and started her film career in 1954 with Columbia Pictures. Picnic was her first movie (1955).

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GRACIAS – CHEERS