JaZzArt en València

Estamos saturado de imágenes, relatos y formas. Pensar en la idea de la originalidad es una chalada. Los artistas siempre han dialogado constantemente con el pasado, apropiándose de estilos, temas y técnicas para darles un nuevo significado. Esto no es una limitación, es una verdad fundamental: el arte no avanza mediante rupturas totales, ni vanguardias, sino a través de reinterpretaciones. Ser un artista creativo no significa que sepas o puedas inventar desde cero, sino como puedes transformar lo ya existente.

La famosa frase atribuida a Picasso —“los buenos artistas copian, pero los grandes artistas roban”— apunta precisamente a esta idea. Copiar implica reproducir superficialmente una obra; “robar” es absorberla, entenderla y reconfigurarla hasta hacerla propia. El artista que “roba” no oculta sus influencias, las integra de tal forma que el resultado final adquiere una identidad nueva. Así, lo importante no es la novedad del material, sino la singularidad de la mirada. Al fin y al cabo, todo lo que tocó Picasso lo convirtió en algo genial y superior a lo anterior.

En nuestra era, marcada por el acceso ilimitado a referencias culturales, esta perspectiva es muy importante. La originalidad ya no es la invención de formas inéditas, está en la capacidad de establecer conexiones inesperadas entre elementos conocidos. Un creador actual trabaja, en cierto modo, como un editor: selecciona, combina y resignifica fragmentos del inmenso archivo cultural disponible.

Por eso no te frustres pensando o lamentando la “falta de ideas nuevas”, sino reconoce que el arte siempre ha sido un proceso de reciclaje creativo. La innovación no es que desaparezca, es que cambia de lugar: deja de estar en el origen de las ideas y pasa a manifestarse en su reinterpretación. El verdadero valor del arte radica en cómo cada artista logra convertir lo heredado en algo vivo, personal y relevante para su tiempo.

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We are saturated with images, narratives, and forms. The idea of originality is a delusion. Artists have always engaged in a constant dialogue with the past, appropriating styles, themes, and techniques to give them new meaning. This is not a limitation; it is a fundamental truth: art does not advance through total breaks or even art vanguards, but through reinterpretations. Being a creative artist does not mean that you can invent from scratch, but rather how you can transform what already exists.

The famous phrase attributed to Picasso —“good artists copy, but great artists steal”— precisely points to this idea. Copying means superficially reproducing a work; “stealing” is to absorb it, understand it, and reconfigure it until it becomes one’s own. The artist who “steals” does not hide their influences but integrates them in such a way that the final result acquires a new identity. Thus, what matters is not the novelty of the material but the uniqueness of the perspective. After all, everything Picasso touched became something brilliant and superior to what came before it.

In our era, marked by unlimited access to cultural references, this perspective is very important. Originality is no longer the invention of unprecedented forms; it lies in the ability to establish unexpected connections between known elements. A contemporary creator works, in a way, like an editor: selecting, combining, and resignifying fragments from the immense cultural archive available.

That’s why you shouldn’t get frustrated thinking or lamenting the «lack of new ideas,» but rather recognize that art has always been a process of creative recycling. Innovation doesn’t disappear; it changes location: it ceases to be at the origin of ideas and instead manifests itself in their reinterpretation. The true value of art lies in how each artist manages to transform what is inherited into something alive, personal, and relevant to their time.

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GRACIAS – CHEERS

A los artistas les gusta mucho hablar del arte y usualmente lo hacen de forma muy abstracta, muy esoterica o hasta onírica pero la realidad es que el arte es faena, no es una cosa subjetiva, es totalmente objetivo, tiene parámetros, medidas, normas y maneras de juzgar si una obra de arte es una genialidad o una porquería. El trabajo del artista es eso mismo «trabajo» porque si el artista no trabaja no desarrolla talento y eso es lo más importante porque a través de su talento es como el artista puede comunicarle al resto su mensaje, o sea, lo que quiere transmitir con esa obra. Y el talento no es un rasgo genético es algo que se aprende y se desarrolla, como los músculos. Cuando el artista deja de currarse las obras, el talento empieza a desvanecerse. Asi que hay que trabajar. Acordaos, la originalidad no importa, el trabajo si, y el buen gusto, no vayamos a crear obras horteras.

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Artists really enjoy talking about art and usually do so in a very abstract, esoteric, or even dreamlike way, but the reality is that art is labour; it is not a subjective thing, it is totally objective, it has parameters, measurements, rules, and there are tried and true ways to judge whether a work of art is a genius creation or rubbish. And let us keep in mind that the artist’s job is just that: «work» because if the artist does not work, he doesn’t develop talent, and that is the most important thing, as it is through his talent that the artist can communicate his message to others, meaning what he wants to convey with that piece. And talent is not a genetic trait; it is something that is learned and developed, like muscles. When the artist stops putting in the effort into his works, talent begins to fade away. So work! Remember, originality doesn’t matter; work does, and good taste; we shouldn’t create works that reflect bad taste. And taste is also objective and measurable.

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INSTAGRGAM: @Francisco_Bravo_Cabrera

CHEERS – GRACIAS

Ya os habia dicho que el arte es cosa totalmente objetiva, que el subjetivismo esta en aquellos que observan, juzgan y desarrollan teorías sobre lo que están mirando. El artista crea sobre una base solida, fundada en sus conocimientos de la vida y en su manejo de la técnica de la pintura. El arte no tiene lógica, ni tiene que ser entendida. El arte tiene que lograr una respuesta espiritual y visceral en el observador, eso sí, para ser considerada buena. El arte no tiene que ser figurativo, puede ser totalmente abstracto o mitad y mitad. La abstracción tiene que obedecer una sola norma: no se puede parecer a nada que se pueda identificar como parte, o perteneciendo, al mundo natural. Y el arte figurativo es todo lo demás. Hay que tener bien en cuenta que lo que plasma un artista sobre la tela o sobre cualquier superficie, o lo que esculpe un escultor en cualquier material, es el resultado de su vida entera, su formación, su (buen) gusto y su deseo de comunicar. Y finalmente, no vayáis a pensar que el arte decorativo tiene menos valor que el arte filosófico, intelectual o perteneciente a cualquiera de las vanguardias artísticos, porque todo el arte es decorativo.

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I have written many times that art is a totally objective thing, that subjectivism lies in those who observe, judge, and develop theories about what they are watching. The artist creates on a solid foundation, based on his knowledge of life and his mastery of the technique of painting. Art has no logic, nor does it need to be understood. Art must achieve a spiritual and visceral response in the observer; that is essential for it to be considered good. Art doesn’t have to be figurative; it can be entirely abstract or a mix of both. Abstraction must obey one rule: it cannot resemble anything that can be identified as a part of, or belonging to, the natural world. Figurative art encompasses everything else. It is important to keep in mind that what an artist captures on canvas or any surface, or what a sculptor shapes in any material, is the result of his entire life, his training, his (good) taste, and his desire to communicate. And finally, do not think that decorative art holds less value than philosophical, intellectual, or avant-garde art, because all art is decorative.

CHEERS – GRACIAS

Bueno, a veces preguntáis que hay que saber para hacer arte y yo os diría que hay que saber de todo y de nada. El arte es algo que desarrolla el artista trabajándola. Pero hay que estudiar diría yo también. El arte es una disciplina profesional y el que quiera ejercer como artista y así ganarse la vida tiene que prepararse, como cualquier otro profesional lo haría. No creo que pensareis que un medico se hace leyendo algunas paginas en el internet que tengan que ver con la medicina, por eso también tenéis que creer que así no se hace un artista tampoco. El artista tiene que tener conocimientos técnicos y también relacionados al dibujo y a la pintura, y como ya he dicho con la teoría del color. Y vamos, hay que dar clases de dibujo y de composición como también muy importante…de historia del arte. No me mal entiendas, no digo que tengas que ir a la uni o a una acidemia particular. No creo que sea imprescindible, aunque recomendable. Pienso que el mejor artista es esa persona curiosa, que mira y ve lo que otros no y que busca, que se plantea situaciones o «problemas» y luego busca la manera de resolverlos. Siempre he dicho que el arte es la búsqueda. Y si me pedis que hable del arte conceptual, no lo haré, pues no me llama para nada la atención y no lo considero disciplina dentro de las artes plásticas. Quiza se relacione mejor con el teatro…

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Well, sometimes you ask what one needs to know to create art, and I would say that one needs to know everything and nothing at all. Art is something that the artist develops through practice. But I would also say that studying is important. Art is a professional discipline, and anyone wanting to work as an artist and earn a living must prepare, just as any other professional would. I don’t think you believe that a doctor is made by just reading a few pages on the Internet related to medicine; therefore, you also have to understand that that’s not how an artist is made either. The artist must possess both technical knowledge and skills related to drawing and painting, and as I’ve mentioned, an understanding of color theory is crucial. Furthermore, one should take drawing and composition classes, and equally important… art history. Don’t get me wrong; I’m not saying you have to go to university or a private academy. It’s not essential, although it is advisable. I believe the best artist is someone curious, who observes and sees what others do not, who explores, examines situations or «problems,» and then seeks ways to resolve them. I’ve always said that art is the search, but you must find. If you ask me to talk about conceptual art, I won’t, as it doesn’t interest me at all, and I don’t consider it a discipline within the plastic arts. Perhaps it’s better related to theater…

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GRACIAS – CHEERS

On part one I touched only upon the fact that art must be contemporary for it to have spirit. Of course many of you (art historians) will know that the theory comes from Kandinsky. But I subscribe totally to it. And I also mentioned the colour wheel, and the importance of knowing what colours create the appropriate atmosphere/message for your work. Lastly I told you that originality is not important. And it is not. It is how you interpret, or re-interpret older ideas or older works of art. This is the essence of this second part. Picasso said that good artists borrow, but that great artists steal. And I am fully in agreement, but, like him, I believe that you must make something better than that which you borrowed or stole. That is why there is nothing really original. But what you can make of the «stolen/borrowed» work, that becomes the you in the moment, and the work with the new spirit reflecting the times. Another thing that is very important is that you study, thoroughly, Art History. That is how you know what has been done, why, what results it had and how it fit into the developing art world. Art does not evolve, but artists do. In order to evolve as an artist, you must know what others have done and why, and how that has affected the way art reflects upon society today.

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En la primera parte toqué únicamente el hecho de que el arte debe ser contemporáneo para tener espíritu. Por supuesto, muchos de ustedes (historiadores del arte) sabrán que la teoría proviene de Kandinsky. Pero estoy totalmente de acuerdo con ello. También mencioné la rueda de colores y la importancia de saber qué colores crean la atmósfera/mensaje adecuado para su obra. Por último, les dije que la originalidad no es importante. Y no lo es. Se trata de cómo interpretas o reinterpretas ideas antiguas o obras de arte anteriores. Esta es la esencia de esta segunda parte. Picasso dijo que los buenos artistas toman prestado, pero los grandes artistas roban. Y estoy totalmente de acuerdo, pero, como él, creo que debes hacer algo mejor que aquello que tomaste prestado o robaste. Por eso no hay nada realmente original. Pero lo que puedes hacer con la obra «robada/prestada», eso se convierte en el tú en el momento, y el trabajo con el nuevo espíritu refleja los tiempos. Otra cosa que es muy importante es que estudies a fondo la Historia del Arte. Así es como sabes lo que se ha hecho, por qué, qué resultados tuvo y cómo encajó en el mundo del arte en desarrollo. El arte no evoluciona, pero los artistas sí. Para evolucionar como artista, debes saber lo que otros han hecho y por qué, y cómo eso ha afectado la forma en que el arte refleja la sociedad de hoy.

CHEERS – GRACIAS

Instagram: @Francisco_Bravo_Cabrera

Ya os habia dicho que el arte es cosa totalmente objetiva, que el subjetivismo esta en aquellos que observan, juzgan y desarrollan teorías sobre lo que están mirando. El artista crea sobre una base solida, fundada en sus conocimientos de la vida y en su manejo de la técnica de la pintura. El arte no tiene lógica, ni tiene que ser entendida. El arte tiene que lograr una respuesta espiritual y visceral en el observador, eso sí, para ser considerada buena. El arte no tiene que ser figurativo, puede ser totalmente abstracto o mitad y mitad. La abstracción tiene que obedecer una sola norma: no se puede parecer a nada que se pueda identificar como parte, o perteneciendo, al mundo natural. Y el arte figurativo es todo lo demás. Hay que tener bien en cuenta que lo que plasma un artista sobre la tela o sobre cualquier superficie, o lo que esculpe un escultor en cualquier material, es el resultado de su vida entera, su formación, su (buen) gusto y su deseo de comunicar. Y finalmente, no vayáis a pensar que el arte decorativo tiene menos valor que el arte filosófico, intelectual o perteneciente a cualquiera de las vanguardias artísticos, porque todo el arte es decorativo.

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I have written many times that art is a totally objective thing, that subjectivism lies in those who observe, judge, and develop theories about what they are watching. The artist creates on a solid foundation, based on his knowledge of life and his mastery of the technique of painting. Art has no logic, nor does it need to be understood. Art must achieve a spiritual and visceral response in the observer; that is essential for it to be considered good. Art doesn’t have to be figurative; it can be entirely abstract or a mix of both. Abstraction must obey one rule: it cannot resemble anything that can be identified as a part of, or belonging to, the natural world. Figurative art encompasses everything else. It is important to keep in mind that what an artist captures on canvas or any surface, or what a sculptor shapes in any material, is the result of his entire life, his training, his (good) taste, and his desire to communicate. And finally, do not think that decorative art holds less value than philosophical, intellectual, or avant-garde art, because all art is decorative.

CHEERS – GRACIAS

«Gambitas y berberechos» un poema de Francisco Bravo Cabrera

Siga el enlace para leer el poema en LatinosUSA

Una manera humana de expresarse…hoy en dia también de forma artificial…con un idioma idóneo que llega, no solo al intelecto, sino a las emociones, al espíritu. Creo que lo más importante para un artista no es buscar la originalidad (no hay nada nuevo bajo el sol) sino buscar el espíritu del cuadro (o de la obra) y para ello hay que saber ser contemporáneo. ¿Qué es ser contemporáneo? Simplemente que trabajes con lo que te rodea, con el espíritu de tu época, con lo que se expresa y se hace en tu entorno y no trates de remontarte a otras épocas u otros siglos. Tus cuadros tienen que tener la manera de transmitir una idea. No importa la idea, pero tiene que estar presente como referente visto o interno. Los colores (o el blanco y negro) importan mucho también pues le añaden ese toque emocional que llega a los sentimientos del observador. Para eso tienes que conocer (al menos un poco) la teoría de los colores y saber cuando y como usar los colores complementarios o los colores similares o análogos, además de la temperatura del color. Esto sin perjudicar ni debilitar la fuerza de la composición.

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WHAT IS ART? It is a human way of expressing oneself… today also in an artificial way… with an ideal language that reaches not only the intellect but also emotions and spirit. I believe that the most important thing for an artist is not to seek originality (there is nothing new under the sun) but to seek the spirit of the painting (or the work), and for that, one must know how to be contemporary. What does it mean to be contemporary? Simply to work with what surrounds you, with the spirit of your time, with what is expressed and done in your environment, and not to try to look back to other eras or centuries. Your paintings must have the ability to convey an idea. The idea doesn’t matter, but it must be present as a seen or internal reference. Colors (or black and white) are also very important as they add that emotional touch that reaches the observer’s feelings. For that, you need to know (at least a little) about color theory and understand when and how to use complementary colors or similar or analogous colors, in addition to the temperature of the color. This should not harm or weaken the strength of the composition.

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A los artistas les gusta mucho hablar del arte y usualmente lo hacen de forma muy abstracta, muy esoterica o hasta onírica pero la realidad es que el arte es faena, no es una cosa subjetiva, es totalmente objetivo, tiene parámetros, medidas, normas y maneras de juzgar si una obra de arte es una genialidad o una porquería. El trabajo del artista es eso mismo «trabajo» porque si el artista no trabaja no desarrolla talento y eso es lo más importante porque a través de su talento es como el artista puede comunicarle al resto su mensaje, o sea, lo que quiere transmitir con esa obra. Y el talento no es un rasgo genético es algo que se aprende y se desarrolla, como los músculos. Cuando el artista deja de currarse las obras, el talento empieza a desvanecerse. Asi que hay que trabajar. Acordaos, la originalidad no importa, el trabajo si, y el buen gusto, no vayamos a crear obras horteras.

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Artists really enjoy talking about art and usually do so in a very abstract, esoteric, or even dreamlike way, but the reality is that art is labour; it is not a subjective thing, it is totally objective, it has parameters, measurements, rules, and there are tried and true ways to judge whether a work of art is a genius creation or rubbish. And let us keep in mind that the artist’s job is just that: «work» because if the artist does not work, he doesn’t develop talent, and that is the most important thing, as it is through his talent that the artist can communicate his message to others, meaning what he wants to convey with that piece. And talent is not a genetic trait; it is something that is learned and developed, like muscles. When the artist stops putting in the effort into his works, talent begins to fade away. So work! Remember, originality doesn’t matter; work does, and good taste; we shouldn’t create works that reflect bad taste. And taste is also objective and measurable.

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On part one I touched only upon the fact that art must be contemporary for it to have spirit. Of course many of you (art historians) will know that the theory comes from Kandinsky. But I subscribe totally to it. And I also mentioned the colour wheel, and the importance of knowing what colours create the appropriate atmosphere/message for your work. Lastly I told you that originality is not important. And it is not. It is how you interpret, or re-interpret older ideas or older works of art. This is the essence of this second part. Picasso said that good artists borrow, but that great artists steal. And I am fully in agreement, but, like him, I believe that you must make something better than that which you borrowed or stole. That is why there is nothing really original. But what you can make of the «stolen/borrowed» work, that becomes the you in the moment, and the work with the new spirit reflecting the times. Another thing that is very important is that you study, thoroughly, Art History. That is how you know what has been done, why, what results it had and how it fit into the developing art world. Art does not evolve, but artists do. In order to evolve as an artist, you must know what others have done and why, and how that has affected the way art reflects upon society today.

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En la primera parte toqué únicamente el hecho de que el arte debe ser contemporáneo para tener espíritu. Por supuesto, muchos de ustedes (historiadores del arte) sabrán que la teoría proviene de Kandinsky. Pero estoy totalmente de acuerdo con ello. También mencioné la rueda de colores y la importancia de saber qué colores crean la atmósfera/mensaje adecuado para su obra. Por último, les dije que la originalidad no es importante. Y no lo es. Se trata de cómo interpretas o reinterpretas ideas antiguas o obras de arte anteriores. Esta es la esencia de esta segunda parte. Picasso dijo que los buenos artistas toman prestado, pero los grandes artistas roban. Y estoy totalmente de acuerdo, pero, como él, creo que debes hacer algo mejor que aquello que tomaste prestado o robaste. Por eso no hay nada realmente original. Pero lo que puedes hacer con la obra «robada/prestada», eso se convierte en el tú en el momento, y el trabajo con el nuevo espíritu refleja los tiempos. Otra cosa que es muy importante es que estudies a fondo la Historia del Arte. Así es como sabes lo que se ha hecho, por qué, qué resultados tuvo y cómo encajó en el mundo del arte en desarrollo. El arte no evoluciona, pero los artistas sí. Para evolucionar como artista, debes saber lo que otros han hecho y por qué, y cómo eso ha afectado la forma en que el arte refleja la sociedad de hoy.

CHEERS – GRACIAS

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